绘画创作如何“妙得”.doc

绘画创作如何“妙得”
　　 摘 要：绘画创作是每一个学画的人必然经历的一个阶段，创作的过程中，可能大部分时间并不是用于作画，而是用于思索。一幅画，如何将它创作得富有趣味性呢？文章从谈论绘画创作如何“妙得”这个点切入，结合古人的例子，来阐述在绘画创作中想要达到“妙得”需注意的几个点。
　　关键词：绘画;“妙得”;表现手法;创作
　　在中国的美术史长河里，有一位早期的绘画理论家顾恺之，他在绘画创作中提出的“迁想妙得”，是画家绘画创作的理论依据。
　　“迁想”指画家艺术构思过程中，从各个方面反复观察对象，不停地思索聯想，把主观情思“迁入”客观对象之中，取得艺术感受，之后方能“妙得”。那么，“妙”究竟是妙在何处？如何让画面变得“妙”？不同的画家又是如何表达他们心中的“妙”呢？
　　一、表现手法妙
　　（一）线条
　　中国画注重线条，线条的顿挫起伏，造就了一幅画的骨骼，这便是谢赫提出的“骨法用笔”。“竖划三寸，当千刃之高;横墨数尺，体百里之迥面，但画面中“言简意赅”的线条，却蕴藏无穷的表现力。
　　以吴道子为例，他可以说是第一位白描画家，他之所以能让他画的道释人物“天衣飞扬，满壁风动”，归功于他有张力的线条。如他的《送子天王图》，用线曲折起伏，错落有致，画人物衣袖时多以绵延弯曲的曲线为主，衣袖弯出去的地方笔力重线条粗，而收进来的地方笔力轻线条细。线条粗细的对比不仅有立体感还增强了其动态，巧妙地表现出衣袖被风吹动的样子。
　　再看同时期的仕女画，并没有吴道子画中夸张的顿笔，仕女画的线条简劲圆浑而有力，将盛唐时期宫中贵族妇女丰腴的姿态饱满地勾勒出来。若这两者线条交换，便不能准确地表现画中人物的造型。
　　因此，不同的线条造就不同的人物。同理，在画其他东西时，线条的画法应符合所表现的内容，就好比画一样坚硬厚实的物体时，如用轻柔的线条便无法表现它的质感与体积，同样，也无法用厚重有力的线条去表现轻柔的物体。学会运用线条的语言，这便是绘画创作中用线的巧妙之处。
　　（二）设色
　　水墨丹青，是中国画的设色，即便是单一的墨，也能分出焦、浓、重、淡、清。国画设色中，写意讲究留白，工笔讲究填充。写意的设色带有一定的意象性，其中留白可以说是写意画的妙之所在，留白这一绘画语言，可以诉说太多事物：白可当天，可作水，可是云，可如烟。工笔的设色方式则是工笔画写实性的精髓，工笔设色讲究三矾九染，可精确的表现物象的形体结构。
　　除了写实性的“随类赋彩”，中国画画家在用色上往往也会采用大胆的“理想化的夸张”手法，即所谓“设色须悟得活用”。理想化的夸张，在中国画中俯拾皆是，如朱竹墨荷、浅绛山水，又如永乐宫的群仙肤色，有黑如墨炭者，白如冰雪者，红若朝辉者，蓝若玄青者。这在自然生活中，未必属实，但经过画家们的艺术处理，使人们感到不仅可信，而且非如此不可。
　　二、塑造型态妙
　　（一）人物
　　讲到人物画的造型塑造，就不得不提到顾恺之提出的“传神论”。顾恺之认为，想要把人物的精气神表现出来，最重要的就是画好人的眼睛，通过所画人物的神情来表现人物的内在精神。顾恺之所画人物用线极细，力度不大，常用眼神的刻画以及人物之间的相互关系来烘托画中的故事情节。
　　不同与顾恺之春蚕吐丝般的勾勒，南宋梁楷的简笔人物